C’est une joie de voir Yeoh aller dans n’importe quel univers : PETER HOSKIN passe en revue Tout, partout, tout à la fois
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Verdict : biopic mal rythmé
Évaluation: 
Répondez-moi, physiciens du prix Nobel : comment appelez-vous une multitude de multivers ? Un multimultivers ? L’infinivers ?
Quel que soit le mot, c’est ce qui afflige – oh, ça alors – les multiplexes en ce moment.
Après Doctor Strange In The Multiverse Of Madness de la semaine dernière, nous avons maintenant un autre film sur des univers parallèles qui se chevauchent.
Celui-ci s’appelle Everything Everywhere All At Once, probablement parce qu’il est né dans un univers sans virgules.
Mais, vraiment, ce sont les différences entre les deux films qui ressortent, plutôt que leurs similitudes cosmiques.
Michelle Yeoh (photo) joue dans Everything Everywhere All At Once, un film couvrant plusieurs univers publié par la société de production A24
L’aventure d’action de science-fiction présente Yeoh (au centre) comme une femme qui n’arrive pas à finir ses impôts
Everything Everywhere n’est pas la prochaine étape du plan de suprématie mondiale de Marvel.
Il s’agit plutôt de la dernière sortie d’A24, la société cinématographique basée à New York à l’origine de plats aussi inventifs et indépendants que Uncut Gems de 2019 et The Green Knight de l’année dernière.
De plus, Everything Everywhere met en vedette Michelle Yeoh.
En fait, techniquement parlant, il met en vedette beaucoup de Michelle Yeohs. Et c’est une très bonne chose en effet.
Au début, cependant, ce n’est pas le Yeoh que nous connaissons : l’artiste martial balletic de films tels que Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000).
Ici, elle joue Evelyn Wang, la propriétaire d’une laverie en difficulté à Somewheresville, en Amérique, dont la vie ressemble à une crise cardiaque prolongée.
Les factures n’ont pas été payées. Un agent de l’IRS pathologiquement morne (joué par un Jamie Lee Curtis presque méconnaissable et très drôle) est sur son cas. Son mari aux yeux tristes (Ke Huy Quan) est résigné à divorcer. Et est-ce que quelqu’un – s’il vous plaît – apportera de la nourriture à son père grognon (James Hong) ?
Yeoh (au centre à droite) joue Evelyn Wang, la propriétaire d’une laverie en difficulté à Somewheresville, en Amérique
Si cela semble stressant, eh bien, ça l’est – pour le spectateur, autant que pour Wang.
Everything Everywhere est principalement une comédie (et parfois hilarante), mais d’une manière ou d’une autre, il réussit l’astuce magique de vous faire ressentir ce que ressentent ses personnages. Harcelé. Perplexe. Contrarié.
Puis, environ 20 minutes plus tard, vient l’euphorie.
C’est alors qu’une version de l’univers alternatif du mari de Wang, utilisant l’indicatif d’appel « Alpha Waymond », fait irruption dans sa réalité pour l’informer que A) un péril universel, qui peut ou non être leur fille (joué par la brillante Stephanie Hsu ), se propage à travers le temps et l’espace, et B) elle est la seule personne qui peut l’arrêter.
Soudain, le film montre vraiment une partie de cette inventivité A24.
Il existe différents univers, différentes chronologies et même différents styles cinématographiques – particulièrement, l’un des mondes alternatifs est un sosie de In The Mood For Love (2000) de Wong Kar-wai.
Pourtant, les co-réalisateurs-scénaristes Dan Kwan et Daniel Scheinert parviennent à rendre le tout cohérent.
Et Yeoh peut aussi se montrer.
Il s’avère qu’il existe une version d’Evelyn Wang dans un univers alternatif qui a fait quelques choix de vie différents et s’est retrouvée, en gros, Michelle Yeoh – une superstar du kung-fu.
Wang « saute en vers » (ne demandez pas) pour acquérir les mêmes compétences, et commence à frapper et à pirouetter à travers une série de scènes de combat de plus en plus colorées.
Suivi d’autres scènes de combat. Et plus de scènes de combat. Et… il y a probablement un moment où Everything Everywhere porte bien son nom et devient trop.
Dans sa recherche d’un sens, le film n’arrive pas à se décider entre environ trois, alors il continue avec plus de bagarres, plus de références cinématographiques, plus de gags puérils et plus de sentiment.
Mais, encore, plus Yeoh est plus Yeoh. Il peut y avoir un univers affreux où elle n’est pas l’une des femmes les plus capables et les plus sympathiques du cinéma, mais, heureusement, ce n’est pas celui-ci.
« Je ne fais rien de ce taureau à col bleu **** ! » gémit Mark Wahlberg au début de Father Stu. Ce qui suit est deux heures de cols bleus… passe-partout pourrait être un meilleur mot.
La bande-son regorge de guitares country twangy et de Dolly Parton. Les hommes sont costauds et grisonnants. Il y a beaucoup de cussin’ et scrappin’.
Mais il y a aussi une histoire vraie extraordinaire qui le sous-tend.
Mark Wahlberg (photo) joue Stuart Long, un boxeur d’une petite ville qui est devenu prêtre avant d’être frappé d’une maladie dégénérative, dans Father Stu
Le père Stu, le personnage de Wahlberg, est Stuart Long, un boxeur d’une petite ville qui est devenu prêtre et a ensuite combattu 12 rounds avec une maladie dégénérative rare et terrible.
Il est décédé, à l’âge de 50 ans, il y a près d’une décennie.
Le film raconte cette histoire tout au long, probablement avec quelques embellissements hollywoodiens.
Je doute, par exemple, qu’il y ait eu un méchant d’apparence reptilienne au vrai séminaire qui sifflait constamment à propos des manières brutales et tapageuses du père Stu – mais il y en a un ici.
Pourtant, dans d’autres endroits, il n’y a pas assez d’embellissement ou d’explication.
Mel Gibson joue le rôle de Bill Long, le père intolérant aux yeux fous et à la bière de Stuart qui obtient une rédemption tardive
Comparé à l’attention portée à la courtisation par le père Stu d’une fille qui va à l’église (Teresa Ruiz), le film ne fournit pas beaucoup de raisons pour sa véritable conversion au christianisme plus tard.
Même sa lutte contre la maladie, la partie la plus remarquable de celle-ci, ressemble à un addendum.
Ce qui est dommage car les acteurs, en particulier Wahlberg, ont clairement abordé le matériel avec sérieux. Jacki Weaver est formidable en tant que mère aimante de Stu.
Mel Gibson est tout aussi bon que le père aux yeux fous, à la bière et intolérant qui obtient une rédemption tardive… ce qui ressemble un peu à Gibson.
Dans ce monde de secondes chances, peut-être étendre le père Stu juste celui-là – ne serait-ce que pour savoir quelque chose de l’homme qui l’a inspiré.
Un innocent crépitant d’émotion
De temps en temps, un premier film arrive qui se sent parfaitement formé – comme si sa création était un acte de la nature.
La fille tranquille (12A, 94 min) en fait partie. C’est le premier long métrage de son réalisateur, Colm Bairéad, mais aussi de sa star, Catherine Clinch, une adolescente de 12 ans qui livre une performance étonnamment mature mais toujours pleine de l’innocence de l’enfance.
Évaluation: 
Son histoire, racontée dans un mélange de langue irlandaise (sous-titrée) et d’anglais, est simple. Le personnage de Clinch, Cáit, est envoyé vivre avec des parents dans un coin rural de l’Irlande pour l’été, loin de sa mère soucieuse et de son père grossier.
Mais les émotions que mine The Quiet Girl sont complexes et profondes. Grâce à son travail de caméra soigné et à son scénario économe, nous apprenons à connaître les cruautés quotidiennes que les gens peuvent s’imposer les uns aux autres – et les gentillesses incommensurables aussi.
Catherine Clinch (photo), qui a 12 ans, offre une performance incroyablement mature, mais innocente, dans The Quiet Girl
Notre père (18, 96 min) est un documentaire qui, à sa manière, parle aussi de famille.
Évaluation: 
Ou peut-être serait-il préférable de le décrire comme un film d’horreur. Il est produit par Blumhouse, le studio le plus connu pour ses séries effrayantes telles que Paranormal Activity, et regorge de musique inquiétante et de plans rampants dans les couloirs. Le style s’accorde assurément avec le fond : c’est le cas d’un médecin de la fertilité américain qui a inséminé ses patientes en secret pendant des décennies.
La bravoure des fils et des filles qui l’ont exposé à la fois lui et leur arbre généalogique tentaculaire est stupéfiante. Au dernier décompte, ils sont 94.
Spitfire sur Berlin (15, 120 minutes) devrait être accompagné d’un avertissement : il a été réalisé pour des dizaines de milliers de livres par une poignée de cinéastes bricoleurs.
Évaluation:
Sans cette clause de non-responsabilité, il s’agit d’une tentative maladroite de film aérien de la Seconde Guerre mondiale, avec un CGI douteux et un scénario encore plus douteux. Avec lui, il y a quelque chose de délicieux dans le fait que ce film existe même. Chocs loin!
The Quiet Girl est à l’affiche dans les cinémas (et en streaming sur Curzon Home Cinema) à partir d’aujourd’hui. Notre Père est maintenant sur Netflix. Et Spitfire Over Berlin est dans une sélection de cinémas à partir d’aujourd’hui.
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